El arte es muchas cosas, una de ellas, es transformación, realizar una transmutación de una materia para depurarla y llevarla hacia ser algo más, pasar de un estado innoble de la materia hasta ser convertido en algo que trasciende a la corrupción del tiempo. Es así, como en el caso de los antiguos alquimistas, el artista Diego Uvence, plasmando sobre soportes oscuros, lleva la madera, el óleo, polvos metálicos y hoja de oro, a ser modificados en algo de mayor belleza que cada una de sus partes separadas. Este proceso de transformación es lo que podremos ver en la exposición titulada: “Nigredo”.
Definimos la vida en la audacia que representa nuestra propia existencia, en aquello que vemos que muta, va creciendo y desarrollando su esencia a través del tiempo, tal y como ocurre desde que comenzó a existir la inocencia orgánica en la tierra, con aquellos elementos que se incorporaron para llenar de verde y múltiples tonalidades más en el horizonte, así es precisamente la visión artística de Javier Cruz, naturaleza viviente y mutable que refleja en su exposición titulada “Árbol, rama y tiempo. Eterna naturaleza”.
Cuando nos ponemos a pensar en los motivos y utilidad del arte, irremediablemente llegamos a la conclusión de la comunicación, de la forma como nos acercamos como personas a través del arte, no únicamente entre artistas y público, sino también entre todas las personas que inician una comunicación a partir de las obras de arte. En ese sentido, hoy podemos considerar también a los medios de transporte como parte de la función del arte de comunicarnos y acercarnos los seres humanos y, dentro de los transportes más maravillosos se encuentran indudablemente los aviones, aquellas máquinas con las que los hombres de la antigüedad soñaron para poder alcanzar los cielos como las aves, tal y como lo dejó manifestado Da Vinci en sus planos de máquinas voladoras. Por ello no es de extrañarse que existan obras de arte que rindan tributo y homenaje a estas máquinas, especialmente en exposiciones como “En El Aire / Up In The Air” que se encuentra actualmente en el Museo Nacional de la Acuarela, Alfredo Guati Rojo.
La semana pasada, dentro del marco de las actividades que serán realizadas con motivo del centenario luctuoso del pintor mexicano Saturnino Herrán, se realizó una rueda de prensa para informar sobre el amplio programa de actividades que serán realizadas en honor al artista oriundo de Aguascalientes.
Cada forma de arte en el mundo es única, tan única como el artista que añade a su vida la expresión emotiva de sus trazos y de sus lienzos. Son, la técnica y el estilo solamente ingredientes que se mezclan para brindar una sazón única a cada elemento de los artistas. Esto queda evidenciado en el trabajo de Juan Primera, quien lleva, a través de sus líneas y de su filosofía sobre lo diferente, una armonía disociativa entre el mundo real y de los sueños, todo esto desde su trinchera artística en su natal Venezuela.
Son pocos los personajes dentro de la historia del arte que han marcado un antes y un después, aquellos que vivieron y promovieron el cambio de estructura en las corrientes artísticas y que hayan perdurado en la historia las técnicas y estilos que ellos generaron. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 – 1610), o simplemente Caravaggio, fue uno de esos personajes que quedaron inmortalizados en la transición de dos de las épocas más fuertes del arte, el Renacimiento y el Barroco.
Vivimos en occidente y, nuestra percepción sobre la estética se basa en la cultura de este lado del mundo, pero ¿esa es toda la cultura del mundo? ¿Nuestra idea sobre el arte es la única válida? ¿Cómo perciben y plasman las emociones en oriente? ¿En Japón todo son geishas, dragones y anime? Y si nosotros llevamos nuestro arte a Japón ¿ellos lo entenderían igual que nosotros? No hay una respuesta definitiva para ello, pero lo que si hay es un espacio enclavado en la colonia Roma de la Ciudad de México, cuyo nombre es Hashi Gallery, cuya misión es volverse el puente cultural entre México y Japón, de tal forma que ambas naciones conozcan y vivan el arte de ambas.
Dicen los psicólogos que los sueños son aquellas emociones que han quedado atrapadas en nuestro subconsciente, pero ¿qué pasa cuando lo que vemos en sueños lo trasladamos a través de la pintura al mundo donde estamos despiertos? Esto precisamente es lo que realiza Guillermo Arreola en su exposición «Conjuro».
Guillermo Pons es un artista con inspiración viajera, con sentimiento trazado en los paisajes de Oaxaca y guiado por el viento marino de los recuerdos paternos, consiente de los contrastes y de las texturas que narran la mística oaxaqueña y el viento sobre de los cuerpos acuíferos. Eso es lo que nos obsequia a la vista la exposición de Guillermo Pons, «Reflejos a Barlovento», la cual se encuentra en la galería planta alta de Galería Casa Lamm.
Seguir tradiciones muchas veces no es fácil, nos encontramos inmersos en el movimiento continuo y acelerado del mundo y de las grandes urbes, pero, cuando las tradiciones se involucran en el mundo cambiante, cuando son los artistas contemporáneos los que guían a una nueva generación de artistas que tomarán en algún momento la estafeta de la creatividad, entonces estamos hablando de una tradición viva, de obras que manejan el talento de sus creadores bajo la tutela de la experiencia y absorben de esta los nutrientes para avanzar a una nueva era. Tal es el caso de lo que se muestra en la exposición «Maestros y Alumnos 2018» que se presenta en el Museo Nacional de la Acuarela, Alfredo Guati Rojo, con más de 100 obras ubicadas dentro del auditorio Miguel León-Portilla de este museo enclavado en el corazón de la delegación Coyoacán.
